会場　サントリーホール

スタッフ

指揮・リコーダー	：	濱田　芳通
管弦楽	：	アントネッロ土屋　麻美
演　出	：	中村　敬一
装　置	：	増田　寿子
照　明	：	矢口　雅敏
映　像	：	荒井　雄貴
衣　裳	：	村上　まさあき
音　響	：	小野　隆浩
ヘア・メイク	：	きとう　せいこ
舞台監督	：	田中　舞

出　演

オペラ・セリアって、本当は喜劇？-第53回サントリー音楽賞受賞記念コンサート「リナルド」を聴く

　日本における古楽の演奏は国際的に見てもレベルが高いそうです。

　確かに鈴木雅明率いるバッハ・コレギウム・ジャパンはバッハの演奏で国際的にも著名ですし、バッハ以外のバロック音楽の演奏でも一定の成果を上げています。ちなみに、私は今回が人生二度目の「リナルド」鑑賞だったのですが、最初の「リナルド」は2020年11月、リナルドを藤木大地、アルミレーナを森麻季が歌った鈴木優人指揮BCJの演奏でした。　また、寺神戸亮率いるレ・ポレアードも毎年12月には北とぴあ国際音楽祭で日本ではなかなか演奏されることの少ないバロック・オペラを上演して高い評価を受けていますし、そして、今回の濱田芳通率いるアントネッロもモンテヴェルディからヘンデルに至る様々なバロック音楽作品を演奏しており、私もこれまで何度か拝聴して感心してきました。

　国際的にもレベルの高い日本のバロック音楽演奏の中でもけん引役の一人である濱田芳通が、指揮とリコーダーの活躍で2021年の第53回サントリー音楽賞を受賞されたのは当然と言えば当然だろうと思います。

　さて、演奏のコンセプトですが、濱田芳通はオペラ・セリアを喜劇として見せようという意図があったようです。

　オペラ・セリアは言うまでもなくイタリアで発達したバロック時代中後期の主に王家などの上流階級のサロンなどで演奏されたオペラ形式で、歴史的には形式だけが異様に厳格になって内容は詰まらなくなっていったわけですが、ヘンデルは当時でも世界でも有数の商業都市であるロンドンで市民対象のオペラ・セリアを作曲していたため、基本的な様式はオペラセリアを約束事を守っていますが、内容はかなり自由になってるのが特徴です。さらに、ヘンデル自身、上演のたびに改作を重ねていた様子です。

　「リナルド」の初演は1711年ですが、その後も何年おきに上演され、その度に曲の入れ替えが行われている。特に1719年と31年には大改訂が行われ、新たな曲の挿入や削除が行われてるそうです。「リナルド」というとヘンデルの作品番号として7a/7bが与えられていますが、7aは初演版、7bは1731年版を指し、現在の上演ではこれらの版を適宜つなぎ合わせて上演されるのが一般的だそうです。さらに、この作品で最も有名なアリア「私を泣かせてください」は、ヘンデルの1705年のオペラ『アルミーラ』の第3幕にサラバンドとして使用されたのが初出で、1707年のオラトリオ『時と悟りの勝利』の第2部のピアチェーレのアリアとして使用され、3度目の使用がこの「私を泣かせてください」になるそうです。

　そんな歴史的根拠を踏まえて、濱田は大胆な変更を試みました。彼はプログラムノートに、「この作品は、第一次十字軍にまつわるお話ということで、ちょうど昨今世界中を賑わしている戦争と状況的に被ってまいりますので、避けなければいけない題材かとも思われましたが、ここは、敢えて！このオペラの中の十字軍の決戦を茶化し、喜劇的にすることによって、一つの反戦意識の表現になるかとも思い、決行させて頂きました」と書いています。この「茶化し、喜劇的にする」ために、彼は魔女やセイリーンによる日本語の寸劇を加えたり、ヘンデルの他のオペラからの音楽の流用、あとはリナルドの中のアリアでも一部を絡んだ相手に渡したりして会話を成立させたりしています。その詳細は、プログラムノートに書かれていますが、それをここに引用するまでもないでしょう。

　ただ、このようないろいろな工夫を施したがゆえに、作品の味わいは、以前聴いたバッハ・コレギウム・ジャパンの演奏とはかなり味わいが異なっていたとは思います。バッハ・コレギウムの演奏の方が正統派、ただし、面白かったのはこっちという感じです。

　演奏は、基本的には素晴らしいもの。まず4人もカウンター・テノールに歌わせているのが凄い。カウンター・テノールは終始裏声で歌い、その中で強弱やリズムを正確に刻むことが求められるので、地声で歌うより難易度が高く、全員が100％上手くいっているわけではないのですが、かなりきっちり歌われている様子で、そこに感心しました。特に良かったのは、エウスタツィオを歌った新田壮人。他の三人は最初の音に出すタイミングで、ちょっとくぐもったりする感じがあるのですが、新田だけはそれがなくて、最初から明るい高音でアリアを歌っている。役柄的には完全に脇役で、上演によってはカットされることも多いそうですが、残して新田の素晴らしい声を聴けたのはとても嬉しいことだと思います。

　他の三人もみんな存在感がありました。タイトル役の弥勒忠文はテレビなどにもよく出てくるカウンター・テノールですが、歌う技術もさることながら、コミカルな演技が板についている。パントマイムなどもありましたが、上手くいっていたと思います。ゴッフレードを歌った中嶋俊晴は、一番声が暗めのカウンター・テノール。ロマン派以降であれば間違いなくバリトン役としてかかれる役柄を高音歌手が歌うとなんか場違いな感じがあるのですが、中嶋はこのくぐもった暗い感じが年齢の高さを表している様子で、声と役柄とが似合っていた感じはします。尚、第3幕のアリアは、明るい声で歌われていて、それまでの暗い感じと全然違っていいたので印象に残りました。

　アルミレーナ役の中山詩歩。綺麗な高音でとらわれたお姫様役を好演。一番の聴かせどころである「私を泣かせてください」は、ダ・カーポアリアの後半の繰り返し部分の装飾がかなり華やかで歌手のハイレベルな技巧を示すものでしたが、原曲の姿がはっきりしなくなるほどの装飾はやりすぎの感じはしました。魔女役の中山美紀。アントネッロの演奏ではいつもヒロイン役を演じる実力者ソプラノですが、今回も素晴らしい。存在感と言い、ちょと暗めのアリアの表現といい、流石だなと思いました。

　この作品の中で本当の意味での敵役であるアルガンテを若手バリトンの黒田祐貴が歌いましたが、黒田も安定していて見事な歌でした。魔法使い役の真弓創一、セイリーン役の中嶋克彦、山際きみ佳もアントネッロの舞台ではおなじみのメンバーですが、濱田芳通の意図をよく理解してしっかりサポートしていたと思います。それにしても魔法使いの「空飛ぶほうき」がフローリングワイパーだったのには笑わせられました。

　アントネッロの楽器構成は、バロックトランペットが4本入る以外は弦楽中心ですが、ファゴット、ヴィオローネ、オルガンの通奏低音がいい感じ。リュートも音が小さいですが、それでも存在感がありました。濱田芳通によるバロック・リコーダーのソロはとても素晴らしいものでした。全体的に切れのいい音楽で、またパーカッションがいい合いの手になって切れ味を増幅している感じでそこもバロック音楽の味を強調していたのではないかと思いました。

　他の作品からの引用や、その他細かい変更がどうかと思う人もきっといるだろうなとも思いましたが、濱田が書いているように「許される範囲」のような気もします。全体的なコンセプトは理解できるものでしたし、演奏そのものはきっちりまとまっており、濱田芳通の第53回サントリー音楽賞受賞に花を添えるものになっていたとは思います。ただ、休憩2回を入れて4時間半は長かったです。やや冗長な部分があったのは事実ですし、もう少し刈り込んでも良かったようには思いました。

第53回サントリー音楽賞受賞記念コンサート「リナルド」TOPに戻る

本ページトップに戻る

 

鑑賞日：2024年8月24日

入場料：自由席 4000円

主催：ジョイヤ

ジョイヤ第42回定期公演「三本オペラ」

オペラ1幕　日本語訳詞上演
プーランク作曲「人間の声」（La Voix humaine)
原作：ジャン・コクトー「人間の声」
台本：ジャン・コクトー/フランシス・プーランク

オペラ1幕　日本語訳詞上演
メノッティ作曲「電話」（The Telephone, or L'Amour à trois）
台本：ジャン＝カルロ・メノッティ

オペラ2幕　日本語訳詞上演
メノッティ作曲「霊媒」（The Medium）
台本：ジャン＝カルロ・メノッティ

会場　横浜市港南区民文化センター　ひまわりの郷

スタッフ

指　揮	：	山本　達郎
ピアノ	：	小森　美穂/井向　結
演出・照明・日本語翻訳	：	永澤　美枝子
衣裳・小道具	：	ジョイヤ・東宝舞台
演出・衣裳・照明・背景画・字幕	：	井澤　友香理

出　演

人間の声

女

：

山田　淳子

電話

ルーシー	：	阿部　宇多子
ベン	：	豊島　雅弘

霊媒

ババ（マダム・フローラ）	：	金　幸子
モニカ	：	長田　真澄
トビー	：	秋山　仁美
コビノー氏	：	和下田　大典
コビノー夫人	：	佐藤　貴子
ノーラン夫人	：	穴倉　糸魅

日本語翻訳の限界-ジョイヤ三本オペラ「人間の声」、「電話」、「霊媒」を聴く

　かなり意欲のあるプログラムだったと思います。20世紀の通信手段の一大発明品である電話を題材にした二作品（一方は悲劇、もう一方は喜劇）と、メノッティが「電話」と同時期に作曲して、同じ舞台で初演した「霊媒」の三本を一夜にかけるという企画がまず素晴らしい。Wikipediaを見ると、「人間の声」の項には、同じ電話を用いた対照的な作品として「電話」が書かれていたりするのですが、同じ舞台で連続してこの二本が取り上げられたことってあるのでしょうか。もちろん初めての事例ではないでしょうが、かなり珍しいのではないかと思います。

　ジョイヤという団体の公演は初めて伺ったのですが、1989年創立という長い歴史を誇っています。ただ、オペラを本格的に取り上げるようになったのは2009年の第34回公演「こうもり」からで、それ以降は概ね2年に一回、今回と同じひまわりの郷ホールでオペラを上演されています。あまり宣伝もされていなかったのでしょうが、私がこの公演を知ったのも神奈川方面の別のオペラ公演に行ったときに挟み込んであったチラシを偶然目にしたからで、それがなければ伺うことはなかったでしょう。

　さて、演奏ですが、全体的に申しあげれば「頑張っていたな」とは思います。一方で外国語で書かれた作品を日本語で上演する限界も強く感じました。

　最初の「人間の声」。この作品を日本語で上演するのはそもそも無理があるのではないかと思いました。この作品は、コクトーの戯曲のうち、音楽的に不要と思われる部分をプーランクがカットして作曲しているそうで、作曲の時も初演で「女」を歌ったドゥニーズ・デュヴァルを想定して作曲している。更に申しあげれば、「デュヴァルとプーランクはとりわけお互いの私生活を熟知する仲であったため、本作を前に一緒に泣いたと言われ、このオペラは彼らの心の傷の記録とも言える内容となっている」とWikipediaには書かれています。フランス人が、フランス人のメンタリティーを踏まえて、歌い手も想定して作曲した作品を日本語に訳すとどうなるか。作品の持つ匂いが失われてしまうのではないでしょうか。

　さらに申しあげれば山田淳子の「女」。日本語が不明瞭。もちろん、途切れ途切れに聴こえてはきますし、この作品に関する知識はあるのでざっくりは分かるのだけれども細かいところが聴こえてこないので、もどかしさを感じます。ストーリー的に言えば、前半は振られた男に対して強がって見せているけれども、後半は女がどんどん壊れていく。しかしながら女自身としては最初から壊れており（既に自殺未遂を行っている）、男からの電話に一抹の望みにかけている。従って、全体としては暗いトーンの中、微妙な心理的な襞を歌い分けていかなければいけません。山田の演技は渾身の演技ではあったのだけれども、台詞が不明瞭で聴き取れないものだから、心理的な襞が全然見えてこない。そこが残念でした。

　「電話」。こっちは日本語で全然構わない。阿部宇多子のルーシーと豊島雅弘のベン。コミカルな演技が楽しいし、歌も悪くない。惜しむらくは最後の二重唱の部分。ハモッていなかった。もちろん私はメノッティの楽譜は知らないのだけど、電話でベンがプロポーズして、ルーシーが承諾した重唱は、普通はハモるように作曲すると思うのです。

　「霊媒」。こちらも結構ごちゃごちゃした内容で、日本語が明確にならないとなかなか理解が追い付かない部分がある。日本語で上演するのであっても、字幕が欲しいなとは思いました。

 　「霊媒」における声の魅力は何といってもモニカを歌った長田真澄とトビニー氏の和下田大典。どちらも声量抜群で存在感がある。ただし、長田モニカは、高音を張る分ビブラートがかかって言葉が響きに埋もれてしまうのが残念です。やっぱり現代のちょっとひねったオペラは台詞が聴こえないといけないのだろうと思います。

　一方で、役者としての存在感は一番は黙役のトビーを演じた秋山仁美にありました。秋山は一言も発しないのですが、非常にリアルな演技で、言葉を発する以上に動きでものを言っていたように思います。ババ役の金幸子は、低音でおどろおどろしく歌っているのは存在感があってよかったのですが、ババが追い込まれていくときの錯乱への道筋が今一つピンとこない。その辺の細かいニュアンスが分かるほど台詞が聴こえないということはあったと思います。

　伴奏は天板を外した二台のコンサートグランドをオケピットに入れての、二台ピアノでの演奏。このピアノ伴奏がドラマティックで力感満点で素晴らしい。特に第一ピアノを担当した小森美穂の抜群の感性が光りました。指揮の山本達郎の全体的なコントロールも悪くないと思いました。

ジョイヤ「三本オペラ」TOPに戻る

本ページトップに戻る  

 

鑑賞日：2024年8月31日

入場料：A席 2F5列33番 8000円

主催：公益財団法人大田区文化振興協会

Future for OPERA in Ota,Tokyo2024 ～子供たちに届けるオペラの世界～

オペレッタ3幕　日本語上演
ヨハン・シュトラウス二世作曲「こうもり」（Die Fledermaus）
原作：アンリ・メイヤック/リュドヴィック・アレヴィ『夜食』
台本：カール・ハフナー/リヒャルト・ジュネ
上演台本：高岸　未朝

会場　大田区民文化センターアプリコ大ホール

スタッフ

指　揮	：	柴田　真郁
管弦楽	：	東京ユニバーサルフィルハーモニー管弦楽団
合　唱	：	ＴＯＫＹＯ　ＯＴＡ　ＯＰＥＲＡコーラス
合唱指導	：	喜古恵理香、吉田貴至、大沼徹、澤崎一了、藤井麻美、鷲尾麻衣
演　出	：	高岸　未朝
装　置	：	鈴木　俊朗/佐藤　みどり
照　明	：	西田　俊朗
衣　裳	：	下斗米　大輔
映　像	：	栗山　聡之
音　響	：	佐藤　日出夫
舞台監督	：	幸泉　浩司

出　演

アイゼンシュタイン	：	大沼　徹
ロザリンデ	：	砂川　涼子
フランク	：	山下　浩司
オルロフスキー公爵	：	山下　裕賀
アルフレード	：	西山　詩苑
ファルケ	：	池内　響
ブリント	：	高梨　英次郎
アデーレ	：	宮地　江奈
イーダ	：	岩谷　香菜子
フロッシュ	：	志村　文彦
従者イヴァン	：	洲本　大輔
従者セルゲイ	：	井澤　智

初心者を意識し過ぎた限界 -大田区文化振興協会「こうもり」を聴く

　歌は素晴らしいし、演技も素敵、歌詞は安定の二期会バージョン、演出もオーソドックスで分かりやすい。全体としては非常にレベルの高い公演だったと思います。ただ、演出の分かりやすさが、オペラ初心者にとっては分かりやすくていいのかもしれませんが、台詞部分はくどいし冗長、もっと刈り込んで、あと30分ぐらいは短くすべきと思いました。今回休憩は2幕の後半で1回だったのですが、そこまでで約2時間、休憩20分の後、さらに1時間20分というのは長すぎです。休憩時のトイレの混雑が凄かったです。

　演出に関して、地元絡みの受け狙いはいいと思います。私は蒲田のことはよく知らないのですが、「ユザワヤ」とか、鳥料理のお店とか、お肌すべすべの黒湯温泉とか、第二幕で男声の合唱団員が黄色い湯桶にタオルをもって歌うというのも笑えます。オルロフスキーがガウン姿で、下がビニールのサンダル、アヒルのおもちゃを持って登場というのも受けました。そういう擽りはある程度いいと思うのですが、すっきりとまとまらなかったところも多々ある。

　まず気に入らないのは、ファルケのアイゼンシュタインに対する恨みを強調しすぎたことです。もちろん恨みはあるだろうけど、ファルケやった復讐、すなわち「こうもり」のお話は、アイゼンシュタインを笑いものにするということで、エスプリは効いているけれども要するにいたずらです。その仕掛けが大掛かりというだけでファルケがアイゼンシュタインを本気で恨んでいるとは思えない。それなのにこの高岸演出は冒頭からファルケの恨みを強調する。劇内でも恨みを意識した台詞をファルケに吐かせる。結果として、ファルケのスマートな感じが伝わってこないし、この作品の狂言回し的な役割も薄れた感じで、どうかと思いました。

　また、高岸演出、場面の推移が非常にスムーズに進んでスマートな部分もある反面、台詞から音楽への切り替え部分や最後の終わらせ方などけっこうぎくしゃくしたところもあって、もうちょっとストレスなく進められないかなとは思いました。

　個々の演技、音楽は本当に素晴らしい。

　まず、主役のアイゼンシュタインを演じた大沼徹がいい。大沼アイゼンシュタインは終始とぼけた味があって、いやらしいんだけど、そのいやらしさが下品にならない。例えば、第一幕のブリントとロザリンデとの三重唱。アイゼンシュタインはブリントに対してもっと怒りまくると思うけど、大沼アイゼンシュタインはもちろん怒っているのだけれど、激怒しているという感じにならない。第三幕もそう。ロザリンデの浮気の証拠を見つけ出そうとするアイゼンシュタインはブリントの服を取り上げて弁護士に扮して歌うわけですが、ここもいい具合にとぼけている。大沼徹と言えば、最近の二期会公演では欠かせないプリモバリトンですが、三の線もなかなか上手いんだな、と、見直した次第です。

　ファルケの池内響。こちらも演出の意図を踏まえて恨みを内に秘めた悪役っぽいファルケになっていましたが、役作りを攻めたせいか、歌の方は今一つ余裕がない感じ。第一幕のアイゼンシュタインとの二重唱「天国に行こう」は、アイゼンシュタインはノリノリで歌い、ファルケはノリノリのふりで歌うけど、どこか一歩引いているぐらいの感じがいいバランスだと思うのですが、今回は池内がちょっと弾けきれなかった感じ。第二幕のガラ・パフォーマンスで歌った「黒い瞳」も上手なのですが、どこか余裕がない感じがしました。

　フランクの山下浩司。こちらも全体的にいい雰囲気でさすがベテランだと思ったのですが、オルロフスキー公爵の夜会にした時の場違いな感じのオロオロ感の出し方とかはもう少し芝居ががった方が雰囲気が出るように思いました。

　西山詩苑のアルフレード。能天気できざなアルフレード。いかにもテノール歌手のパロディ的な歌唱と演技がとてもよく、笑わせていただきました。

　砂川涼子のロザリンデ。コメディエンヌ的な演技も、砂川涼子もこんなことをするんだ、という感じで、とてもよかったです。また、砂川は歌詞がきっちりと飛んでくるのもいい。一般にソプラノ歌手が日本語で高音を歌うと、歌詞が響きに埋もれて何を言っているのかが分からなくなることが多いのですが、流石に日本を代表するソプラノ。そこはきっちりとコントロールして高音も低音も綺麗な日本語に聴こえる。そんなわけで台詞も上手い、歌詞もはっきり聴こえ、音楽的なコントロールも流石というべき巧さ。だから文句なしと申し上げたいのですが、砂川だけではないのですが、歌と台詞の切り替えがあまり自然ではない。かっちりと歌って、どこかちょっと置いた感じで台詞に行くことが多く（逆も同様）、これだけ力量がある方なのだから、切り替えのぎくしゃくがなければ最高なのにな、とは思いました。

　宮地江奈のアデーレはぴったり。コケティッシュな演技も見事。二曲のアリア「侯爵様、あなたのようなお方は」も「田舎娘を演じるときは」も最近の東京二期会の若手ソプラノのトップランナーとしての魅力と実力を見せてくれました。とてもいい。ただ、重唱は嵌り方が甘いところがある。例えば、第一幕前半のロザリンデとの二重唱。また、後半のアイゼンシュタイン、ロザリンデとの三重唱「泣き泣きお別れ」は悲しい演技と湧き上がってくる喜びをもっと芝居がかって対比させた方がいいと思うのだが、大沼砂川も含めて、その辺が落ち着いた感じになっている。もうひと攻めがあってもいいのではないかと思いました。

　山下裕賀のオルロフスキー。さすがの実力、見事なオルロフスキーになっていましたが、どこか攻めている感じが今一つ足りないように思いました。もっとけれんみを出した方がより存在感が輝いたように思います。

　合唱は区民公募の合唱団。もっと下手かなと思いきや、かなり上手。しっかり鍛えられていることが分かる見事な合唱でした。話を聴くと、2018年に2020年公演予定で募集をかけたのですが、コロナ禍で延期となり、この本番までずっと磨いてきたとのこと。「練習は裏切らない」をまさに見せてくれたと思いました。

　柴田真郁の指揮は全体的にややゆっくりだった感じがするのですが、あのテンポが色々なぎくしゃくに繋がっていたとするならば、もう少しテンポを締めたほうが良かったのかもしれません。

　以上全体的には極めて高品質な上演で楽しんだのですが、演出がもう一工夫をしてくれれば、音楽の相乗作用で、更によくなったかもしれません。

大田区文化振興協会「こうもり」TOPに戻る

本ページトップに戻る  

 

目次のページに戻る

SEO		[PR] ����!�����u���O �����z�[���y�[�W�J�� �������C�u����