指　揮	：	準・メルクル
管弦楽	：	東京交響楽団
合　唱	：	二期会合唱団
合唱指揮	：	大島　義彰
演　出	：	ダミアーノ・ミキエレット
衣　裳	：	カルラ・テーティ
照　明	：	アレッサンドロ・カルレッティ
演出補	：	エレオノーラ・クラヴァニョーラ
舞台監督	：	村田　健輔
公演監督	：	曽我　榮子

出　演

イドメネオ	：	又吉　秀樹
イダマンテ	：	小林　由佳
イリア/font>	：	経塚　果林
エレットラ	：	田崎　尚美
アルバーチェ	：	北嶋　信也
大祭司	：	新津　耕平
声	：	倉本　晋児

感　想　 歌手泣かせ、観客泣かせ-東京二期会オペラ劇場「イドメネオ」を聴く

　レシタティーヴォ・セッコには伴奏が付きます。普通はチェンバロを使用します。今回はそれが、ピアノとチェロでした。何故そうしたのかはよく分かりません。ただ、セッコの伴奏が、ピアノになると、音が大きく重くなります。そこにチェロが通奏低音的に割り込むと、セッコの部分の重々しさがより強調されます。

　それが良いことだとは、私は全く思わない。モーツァルトのレシタティーヴォをチェンバロで演奏しない理由が、正直申し上げて私には理解できないのです。指揮者の意思なのか、それとも演出家の考えなのか。こういった理解しがたい変更が他にもあります。例えば、終幕は、イドメネオのレシタティーヴォ・アコンパニャートがあって、王を讃える合唱で終わりというのが、私の持っていた「イドメネオ」の印象ですが、そのあと、オーケストラの伴奏だけが続いて、イリアが出産するという場面が出てくる。このオーケストラの伴奏は一体何なのでしょう。私は、「イドメネオ」というオペラにそれほど親しくないので、異稿・異版については何も申し上げられないのですが、オペラの常識から見て、フィナーレをオーケストラだけで飾るというのは、かなり異常だ、ということは申し上げられるかもしれない（演奏していたのは、「イドメネオ」に付随するバレエ音楽だそうです）。

　それ以外にも、私の知っている「イドメネオ」というオペラと本当に同じなのかな、と思う部分はそれなりにありました。「イドメネオ」は大きく、「ミュンヘン上演版」と「ウィーン上演版」とあるそうで、今回は、「ミュンヘン上演版」をもとにした独自版で演奏しているそうですが、その版の違いが影響しているのでしょうか？

　私が気になるのは、演出によって音楽が曲げられているのではないか、ということです。演技がなくてもオペラは成立しますが、音楽がなければオペラにはなりえない（勿論、オペラは総合芸術ですから、音楽も、演技も、演出も、舞踏も大切です）。その本質がある以上、演出家が音楽に手を入れる場合、単純カット等は認められるとは思いますが、それ以上の変更は許されないのではないか、という気がします。今回ミキエレットが、演出に合わせて音楽の順番等を変えていたとすれば、それはよろしくないように思うのです。

　それにしても、ミキエレットの演出は、相当マニアックです。舞台は、軍靴の撒き散らされた砂場です。勿論時代は神話時代ではなく仮想的現代、もしくは未来かもしれない。軍靴は勿論戦争の象徴ですね。その靴は幕が経ることによりどんどん減っていきます。つまり、この変化は、このオペラは、戦争の悲劇から他の問題、具体的には、親子問題に変わっていることを言いたかったのかもしれません。

　この推論が正しいかどうかは私は知りません。ミキエレットは表現したいことが沢山ある、ということはよく分かります。オペラの筋とは関係ないところで、合唱団の方々がやられている演技は、そういった演出家の主張・表現の一つの具現化なのでしょう。ただ、それが観客に伝わっているか、と言えばかなり疑問です。私自身は、やり過ぎで、結局のところ何が何だか分からない。モーツァルトの音楽とも相容れないのではないかと思って観劇しておりました。

　それがもっとも現れたのが、フィナーレで、イドメネオが倒れて、砂の中に埋められる。それに引き続き、イリアが出産する、というのは、勿論輪廻転生的イメージがあったのでしょうが、日本人であれば、イドメネオが倒れて、その隣にお腹の膨れたイリアがいれば、具体的に何もしなくても、イドメネオの魂がイリアのお腹の子に移ったと思うでしょう。しかし、そこを敢て余計な音楽まで付けて出産場面を見せる。くどくて悪趣味と申し上げるしかありません。

　「イドメネオ」はオペラ・セリアです。オペラ・セリアにはいろいろと約束事があって、それに沿ってモーツァルトは作曲している。その枠組みを壊すというのが、ミキエレットの演出のコンセプトなのでしょう。それがいけないことだとは思いませんが、それが、一目で分かるような演出にはなっていません。細かいことをやり過ぎで、それが一つ一つ意味がありそうなのですが、何を言いたいのが全く分からない。全体としての演出の柱が見えず、ディテールだけに拘っている感じがします。、観客に余計な思考を強いて、折角素敵なモーツァルトの音楽に入り込ませないのは、私には納得いかないものがあります。そういう観客泣かせの演出には否定的になるしかありません。

　なお、あの演出には、歌手にも余計な緊張を強います。靴と砂で足元が覚束ない。そういう条件を強いるのは、感心できることではありません。

　そういった悪条件の中で、歌手陣は頑張っておりました。若手中心のキャストですが、若いって凄いな、と思わせられました。

　まずタイトル役の又吉秀樹がよい。まだ29歳と言う話でしたが、あの若さで、あれだけの歌が歌えるのは素晴らしいと申し上げるしかない。技術的には粗削りで、才能だけで歌っている部分もあるわけですが、第二幕の大アリア「嵐の海から逃れたものの」は聴きものでした。それ以外も全体的に素敵な歌唱で、存在感のあるしっかりした歌を歌っていて良いと思いました。

　また又吉にまして良かったのは小林由佳のイダマンテ。イダマンテが「私には罪がないのに」で登場すると、舞台の空気が変わった感じがします。重唱の存在感もあり、本日の舞台を一番引っ張っていたのは小林イダマンテと申し上げてよろしいのではないでしょうか。

　田崎尚美のエレットラは、二幕の抒情的なアリアが比較的良かったと思いますが、第一幕と第三幕のアリアは、もっと厳しさを出す方が私の好みです。経塚果林のイリアは、無難にまとめておりましたが、聴き手に印象を与えるような歌唱ではなかったように思います。2009年の国立音大の大学院オペラではドンナ・アンナが良かった印象があるので、もう少し重たい役の方が、彼女の雰囲気に似合うのかもしれません。

　合唱は悪くはないのですが、今一つ求心力に欠けている感じがしました。

　準・メルクルの作り出す音楽は流石と申し上げて良いものだと思いました。明快で推進力が感じられます。東京交響楽団もさすがの実力でした。

　それにしても演出がくどくて焦点が絞れていないので、音楽の邪魔になって仕方がありません。舞台が気になって音楽が素直に耳に流れ込んでこなかったのが一番の問題のように思いました。

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指　揮	：	ダンテ・マッツォーラ
管弦楽	：	昭和音楽大学管弦楽団
合　唱	：	昭和音楽大学合唱団
合唱指揮	：	山舘　冬樹
演　出	：	マルコ・ガンディーニ
美　術	：	イタロ・グロッシ
照　明	：	奥畑　康夫
衣　裳	：	シモーナ・モレージ
舞台監督	：	伊藤　潤

出　演

ロドルフォ伯爵	：	小田桐　貴樹
テレーザ	：	吉田　郁恵
アミーナ	：	柏川　翠
エルヴィーノ	：	岡坂　弘毅
リーザ	：	木全　瑞恵
アレッシオ	：	市川　宥一郎
公証人	：	工藤　翔陽

感　想　練習量　昭和音楽大学オペラ公演2014「夢遊病の娘」を聴く

　2日連続オペラを聴いて、オペラって共同作業なのだな、と当たり前のことを感じました。一体感のある演奏は、おざなりの練習で仕上げて来た公演とは違います。昭和音楽大学は、大学公演とはいえ、卒業生を中心とした若手歌手をキャストとして選び、十分な練習で公演に臨みますから外れが少ないのですが、本年も大変立派な公演に仕上がりました。

　演目は、昭和音大オペラ定番と申し上げて良い「夢遊病の女」。大学のオペラ公演というとモーツァルトが取り上げられることが多いのですが、昭和音大は一貫してベルカント。確かにモーツァルトは素晴らしいですが、イタリア古典オペラの完成形はロッシーニ、ドニゼッティ、ベッリーニにあるわけですから、これらのオペラで教育するというのは理に適っていると思います。

　さて演奏ですが、昭和音大管弦楽団が立派。この団体、半数以上は学生で、潜在的な実力派それほどではありません。一度東京交響楽団との合同演奏を聴いたことがあるのですが、やはりプロオーケストラとの差は如何ともしがたいところがありました。それでも今回は素晴らしい演奏でした。多分それは、曲自体がオペラの伴奏ということで比較的演奏が易しい、ということはあるのでしょうが、練習量と、一体感を持ってオペラを成功させようという全員の意思が揃っていたというのが本当の理由だと思います。マッツォーラの指揮が明確だった、ということもあるのでしょうね。とにかく気分が良くなる演奏で嬉しくなりました。

　歌手陣も総じて立派。

　アミーナ役の柏川翠。素敵でした。全体的に線は細めでしたが、歌唱はきっちりまとめて立派。ちゃんと練習してポイントを押さえて歌っているというのがよく分かりました。登場のアリアとフィナーレの狂乱の場、どちらの曲もベルカント時代の技巧の粋を集めたような曲で、一曲の中で色々な表現をしなければならない難曲ですが、技術的には聴かせるものがありました。メリハリの付け方などはこれからだとは思いますが、今後に期待が持てる方だな、と思いました。

　岡坂弘毅のエルヴィーノも結構。一寸鼻にかかった軽いテノールの声が、正に「夢遊病の女」にぴったりです。ただ、声の質の割には高音が伸びないタイプの方のようで、高い音で少し声が痩せてくる感じがあり、そこだけが残念。それでも軽い声で飛ぶ様子はとても素敵です。

　こんな二人ですから、重唱がまた素敵です。透明感のある声が混ざって、清潔な初々しい感じが上手に表現されていました。このオペラのテノールの二曲のアリアはどちらもアミーナが重唱が絡んでくるので、二人の声の感じが重なっているというのも良い効果として現れているように聴きました。

　ロドルフォ伯爵を歌った小田桐貴樹も雰囲気がよく結構でした。バスの低い声が、役柄の落ち着いた雰囲気に丁度良い感じで見事でした。登場のアリアがよく、引き込まれるものがありました。

　木全瑞恵のリーザ。一幕は余り存在感を示しませんでしたが、二幕のアリアは、高音をビンビン響かせ、立派に歌い上げました。吉田郁恵のテレーザも結構。母親の雰囲気を出していたと思います。

　合唱は、冒頭の合唱が頑張りすぎたのか、声の溶け合い方に今一つ不足を感じましたが、あとは上々。良かったと思います。

　マルコ・ガンディーニの演出は、昭和音大オペラ伝統の写実的な表現ではなく、幾何学的抽象的模様で舞台を割っていくイタロ・グロッシの装置に群集劇的に人を張り付けて行くもの。このオペラの本質である田園ロマンスの雰囲気は必ずしも明確ではありませんでしたが、シャープな感じが若い歌手たちが作り上げる舞台には、丁度良いのかな、と思いました。

　細かい問題をあげつらえばいくらでもあるのでしょうが、音楽の感じが如何にもイタリアオペラに仕上がっておりましたし、出演者も皆揃っていました。よく鍛えられた聴き応えのある上演でした。練習量は裏切らない、ということだろうと思います。

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鑑賞日：2014年10月14日

入場料：C席　11340円　3FL10列2番

（平成26年度文化庁芸術祭主催公演）

新国立劇場2014/2015シーズンオープニング公演

オペラ3幕・字幕付原語（ドイツ語）上演
ワーグナー作曲　舞台神聖祝典劇「パルジファル」（Parsifal)
台本：リヒャルト・ワーグナー

会場　新国立劇場オペラパレス

スタッフ

指　揮	：	飯守　泰次郎
管弦楽	：	東京フィルハーモニー交響楽団
合　唱	：	新国立劇場合唱団/二期会合唱団
合唱指揮	：	三澤　洋史
演　出	：	ハリー・クプファー
装　置	：	ハンス・シャベルノッホ
衣　裳	：	ヤン・タックス
照　明	：	ユルゲン・ホフマン
映　像	：	トーマス・ライナー
演出補	：	デレク・キンベル
音楽ヘッドコーチ	：	石坂　宏
舞台監督	：	大仁田　雅彦
芸術監督	：	飯守　泰次郎

出演者

アムフォルタス	：	エギル・シリンズ
ティトゥレル	：	長谷川　顯
グルネマンツ	：	ジョン・トムリンソン
パルジファル	：	クリスティアン・フランツ
クリングゾル	：	ロバート・ボーク
クンドリ	：	エヴェリン・ヘルリツィウス
第一の聖杯騎士	：	村上　公太
第二の聖杯騎士	：	北川　辰彦
小姓１	：	九嶋　香奈枝
小姓２	：	國光　ともこ
小姓３	：	鈴木　准
小姓４	：	小原　啓楼
花の乙女たち１	：	三宅　理恵
花の乙女たち１	：	鵜木　絵里
花の乙女たち１	：	小野　美咲
花の乙女たち２	：	針生　美智子
花の乙女たち２	：	小林　沙羅
花の乙女たち２	：	増田　弥生
アルトソロ	：	池田　香織

感　想

過激だけど穏当−新国立劇場　「パルジファル」を聴く

　有名な話ですが、バイロイト音楽祭のチケットは滅多なことでは取れないそうです。それだけ、ワーグナーは世界中に愛好者たちがいて、あの長大な音楽に浸ることを楽しみにしているわけですが、正直なところ私にはその感覚がよく分からない。勿論、もっともっとたくさん聴いて、その音楽をよく知っていけばまた違うのでしょうが、あれだけ長大な音楽を、それ以外にも聴きたい作品がいっぱいあるのに、聴いている余裕はなかなかありません。だから、聴かず嫌いと言われれば一言もないのですが、私には退屈な音楽に聴こえてしまうことが少なくありません。

　「パルジファル」の第一幕前半のグルネマンツのモノローグなどがその典型。確かにストーリーを理解するためには欠かせないモノローグですが、ありがたいお経を聴いているみたい。重要だけど、私には退屈です。こういう連想が出てくるのは、ハーリー・クプファーが、この舞台の中に仏教僧を登場させて、このキリスト教的音楽の中に輪廻転生のような仏教的思想を強調したからかもしれません。「パルジファル」はすこぶるキリスト教的音楽だと思っていたのですが、クプファーにとっては、汎世界的な宗教性をもった音楽ということなのですね。

　演出については、高い評判を耳にしていましたが、まさにその通り。新国立劇場の舞台機構をたっぷり使った視覚的にも魅せる舞台でした。

　舞台には、奥から手前に向かって傾斜して来る「光の道」が設定されているのですが、これが一直線に伸びて天上につながっている訳ではなく、ジグザグです。このジグザグの光の道は、救済への道でありますが、その道は舞台機構により上昇したり下降したりしますから、直ぐに断絶し、単純に登場人物が救済されるに至らないことになります。この道は、初日では、出演者が歩くとかなり音を立てて耳障りだったそうですが、流石に楽日にもなると、新国技術陣のテコ入れもあったようで、ほとんど気にならないレベルまで修正されていたようです。その意味で楽日に聴きに伺った甲斐があったと思います。

　仏教とキリスト教の融合みたいな思想は、元来ワーグナーにあったそうですが、クプファーの演出はその考え方を中心においています。第1幕のラストに光の道に突然現れる仏教僧は、第三幕では倒れているパルジファルに法衣を与えて立ち上がらせます。この時、単なる愚か者だったパルジファルが、救済への聖者になったということなのでしょう。この法衣は、キリスト教の象徴でもある聖槍を包み、聖杯の国まで持ち込まれる。ラストではこの法衣が３つに切り開かれ、クンドリーとグルネマンツに分け与えられ、残りをパルジファル自身が持つ。すこぶるキリスト教的な音楽はこれにきて、仏教のとの融合を果たすのです。まさにありがたいお経のような音楽です。

　というわけで、ワーグナー好きではない聴き手には、音楽よりも演出に注目してしまう舞台でしたが、演奏も実は素晴らしい。私は結局のところパルジファルの音楽を楽しめている訳ではないのですが、演奏の完成度の高さはよく分かります。

　流石に日本のワーグナー指揮者第一人者である飯守泰次郎の演奏です。私のパルジファルの実演経験はわずか2回ですが、前回初めて聴いた東京二期会の演奏、すなわち飯守泰次郎指揮読売日本交響楽団の演奏よりも今回の東京フィルの演奏の方が更に完成度が上回っている感じがします。読響はドイツものには定評のあるオーケストラで、あのときの低音楽器の地の底から響きあがってくるような音楽に感心したわけですが、今回はそういう音の迫力は感じられなかったものの、全体としてそれ以上に感じられるというのは、飯守の「パルジファル」に対する解釈がより堅固になったということの表れなのでしょう。勿論、クプファーのパルジファルの本質をついた、ある意味過激ではあるが妥当な演出が、飯守の作る音楽をより活性化させた、ということもあるのかもしれません。とにかく、豊饒な響きが楽しめたことは間違いありません。東京フィルのメンバーにもBraviを申し上げなければいけません。

　歌手陣ですが、まずグルネマンツ役のトムリンソンに存在感がありました。グルネマンツのモノローグがありがたいお経のように聴こえてしまうのは、彼の歌い方にそれだけのものがあるからだと思います。滋味あふれる歌唱というと当たり前すぎますけど、やはり高徳の僧のイメージが強いです。

　クンドリーのヘルリツィウスも良い。馬力はあるのですが、その馬力がしっかりコントロールされて響かせているところが流石です。第二幕の妖艶なクンドリーの表現に魅力を感じました。その分、１、３幕は余り目立っていなかった感じもします。

　新国立劇場のワーグナーと言えば欠かせないのが、クリスティアン・フランツ。安定した表現で安心して聴けるヘルデン・テノールです。

　こういった外人勢の中で気を吐いたのが、長谷川顯の歌うティトゥレル。低音が安定していて響き、外人勢に引けを取らない表現力だと思いました。

　それ以外の脇役勢は決して目立つ存在ではありませんでしたが、しっかり自分の役割を果たしていたと思います。合唱もしっかり歌われており、音楽の骨格の保持に十分貢献しておりました。

　以上ワグネリアンでない自分には、分かっていない部分も多いのですが、その逆バイアスを修正すれば、素晴らしい上演だったと申し上げて良いのでしょう。飯守体制になっての第一シーズンの始まりとして、十分だったと申し上げられると思いました。

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鑑賞日：2014年10月18日
入場料：A席　2000円　す列46番

主催：国立音楽大学

国立音楽大学大学院オペラ2014

オペラ4幕、日本語字幕付原語（イタリア語）上演
モーツァルト作曲「フィガロの結婚｣（Le Nozze di Figaro)
台本：ロレンツォ・ダ・ポンテ

会場：国立音楽大学講堂

スタッフ

指　揮	：	増田　宏昭
管弦楽	：	国立音楽大学オーケストラ
チェンバロ	：	相田　久美子
合　唱	：	国立音楽大学合唱団
合唱指揮	：	佐藤　宏
演　出	：	中村　敬一
装　置	：	鈴木　俊朗
衣　裳	：	半田　悦子
照　明	：	山口　暁
振　付	：	中島　伸欣
声楽指導	：	岩森美里/大倉由紀枝/黒田博/小林一男/福井敬
舞台監督	：	徳山　弘毅

出　演

アルマヴィーヴァ伯爵	:	大槻　聡之介
アルマヴィーヴァ伯爵夫人	:	高橋　希絵
フィガロ	:	照屋　博史
スザンナ	:	佐々木　麻子
ケルビーノ	:	細井　暁子
マルチェリーナ	:	遠藤　千寿子
ドン・バルトロ	:	大川　博
ドン・バジリオ	:	瀧川　幸祐
ドン・クルツィオ	:	宮西　一弘
アントニオ	:	新造　太郎
バルバリーナ	:	砂村　都
花娘�T	:	福田　亜香音
花娘�U	:	眞玉　郁碧

感想

今年のＭ２は？-国立音楽大学大学院オペラ2014「フィガロの結婚」を聴く。

　国立音楽大学の大学院オペラは、教育が前提にあるせいか、非常に基本に忠実で気持ちが良いです。演出が徹底してオーソドックス。時代は勿論のこと、出演者の演技一つ一つもすべて、歌詞に書いてあるものを忠実に再現してあります。誰が見たって、「「フィガロの結婚」は、こういうオペラなんだ」、って分かるように作ってある。そうやって見ていると、変に訳の分からん演出家のケレンが入っていないだけ、作品の名作ぶりがストレートに伝わってきます。満員客席からは何度も笑い声が上がっていましたが、大変うれしいことです。

　増田宏昭の音楽のコントロールはやや遅いかな、という感じはあるものの、基本的には中庸。歌手たちの歌いやすいスピードで進みます。特徴の際立った音楽作りではありませんが、大学院生が主人公なわけですから、指揮者やオーケストラが目立たないということは大切なことのように思います。

　一番の聴きものである歌手たちですが、端的に申し上げれば、助演陣と大学院生の力量の差がはっきり見える舞台となりました。大学院生たちは彼等の音楽人生が船出したばっかり、という感じが強くしたのが本当のところです。

　冒頭のフィガロとスザンナの二重唱。音楽家人生を歩みはじめて何年かたっている照屋博史のフィガロと、大学院生の佐々木麻子の差は明白です。佐々木は緊張していたのでしょう。声が上擦ってすっきりと出ておらず、大変だな、と思いました。佐々木は勿論最後まで緊張していたのだろうとは思いますが、どんどん調子を上げてきて、乗って来た感じが見えたのはよかったです。

　スザンナは、このオペラのキーロールで、全ての重唱の絡むわけですが、最初のフィガロの二重唱のぎくしゃく感がどんどん少なくなってきて、嵌るようになってきました。佐々木が、今回の大学院生の中では一番の収穫だったと申し上げて良いでしょう。

　伯爵夫人の高橋希絵はかなり厳しい。全体的に音のポジションが低く、伯爵夫人に向いた声ではありません。登場のアリア「愛の神よ、平穏を」は、音が下がってかなり危なっかしい感じでしたし、第三幕のアリア「あの美しい時はどこへ」は、登場のアリアほどの傷はなかったとはいえ、満足の行く出来栄えと申し上げる訳にはいきません。重唱を聴いていても、一寸油断すると直ぐにポジションが低くなってしまって、メゾソプラノ的な声になってしまいます。高音が伸びないのは仕方ないとしても、中音部がもっときっちり響いて欲しいと思いました。

　アルマヴィーヴァ伯爵役の大槻聡之介も評価できません。第三幕のアリア「訴訟に勝っただと」はしっかり歌っていて良かったのですが、アリア以外の部分は伯爵役に嵌らないこと著しい。伯爵のいらだった演技は悪くないと思うのですが、そこが声として現れていないきらいがあります。レシタティーヴォや重唱でももっと声に深みや輝きが欲しいところです。

　ケルビーノ役の細井暁子も今一つ。雰囲気はケルビーノらしさを醸し出しているのですが、声がケルビーノ的清新さに掛けているのです。「自分で自分が分からない」も「恋とはどんなものかしら」ももっとすっきりと、若々しさを前面に出して歌って頂かないと、イマイチ感が出てしまいます。

　大学院生と比較すると助演陣は流石に上手です。照屋博史のフィガロはバスバリトンの深い声を上手にコントロールして、元気の良いフィガロを演じました。遠藤千寿子のマルチェリーナも雰囲気も良く、歌も立派だと思いました。バルトロの大川博はブッフォ的雰囲気が更に出るとなおよかったのですが、歌それ自体はよかったと思います。瀧川幸裕のバジリオも慇懃無礼な感じが出ていて宜しいと思いました。

　助演の先輩たちとの差を見るにつけ、大学院生たちも今回の演奏を糧に更に研鑽を積んで、次回聴く機会があった時、括目するような存在になっていてほしいと思います。精進に期待します。

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鑑賞日：2014年10月25日

入場料：B席　6000円　2F3列32番

主催：東京オペラ・プロデュース

東京オペラ・プロデュース第94回定期公演
東京オペラ・プロデュース創立40周年記念公演

オペラ4幕・字幕付原語（イタリア語）上演
ジョルダーノ作曲　歌劇「戯れ言の饗宴」（La Cena delle Beffe)
台本：セム・ベネッリ

日本初演

会場　新国立劇場中劇場

スタッフ

指　揮	：	時任　康文
管弦楽	：	東京オペラ・フィルハーモニック管弦楽団
演　出	：	馬場　紀雄
美　術	：	土屋　茂昭
衣　裳	：	清水　崇子
照　明	：	成瀬　一裕
ヘア・メイク	：	星野　安子
演出補	：	松尾　史子
音楽監督	：	伊佐地　邦治
舞台監督	：	八木　清市
プロデューサー	：	竹中　史子

出演者

ジネーヴラ	：	福田　玲子
ジャンネット	：	松村　英行
ネーリ	：	羽山　晃生
ガブリエッロ	：	西塚　巧
トルナクインチ	：	森田　学
リザベッタ	：	羽山　弘子
フィアメッタ	：	前坂　美希
ラルドミーネ	：	勝倉　小百合
チンツィア	：	菅原　みずほ
トリンカ	：	石川　誠二
ドットーレ	：	白井　和之
ファツィオ	：	加藤　史幸
ラーボ	：	島田　道生
カレンドラ	：	小林　涼

感　想

削ぎ落として見えるもの- 東京オペラ・プロデュース　「戯れ言の饗宴」を聴く

　ジョルダーノのオペラと言えば、「アンドレア・シェニエ」が圧倒的に有名。次いで「フェドーラ」。それ以外の作品はヨーロッパでも滅多に上演されることはないそうです。日本では4年前に「東京　オペラ・プロデュース」が「マダム・サン・ジェーヌ」を取り上げましたが、これが唯一の事例かもしれません。今回は、その東京オペラ・プロデュースが取り上げたジョルダーノシリーズ第二弾、ということです。

　東京オペラ・プロデュースは、「欧米では比較的ポピュラーだが、日本では知られていないオペラを紹介する」をポリシーとした団体で、ここ数年、近代イタリアオペラ作曲家に焦点を当てているそうで、近代イタリアオペラ作曲家シリーズとしては第4弾になるそうです。

　この「戯れ言の饗宴」という作品、美女・ジネーヴラに手を出そうとして、乱暴者のネーリ、ガブリエリに袋叩きにあって、アルノ川に投げ込まれた若者・ジャンネットが、この兄弟に復讐するという作品です。復讐の仕方は、「決闘」みたいな、劇的なものではなく、「ネーリが狂った」と噂を流し、捉えさせてしまう、というもの。その間、自分はジネーブラをしっかり寝取り、今度は、ジネーブラに弟のガブリエリを誘惑させて、ベッドにいるところを、逆上してひと間違いをしたネーリに殺させてしまい、ジャンネットの復讐は完成する、というもの。

　この主人公の智恵で物語が進むというのは、「ジャンニ・スキッキ」みたいです。舞台も15世紀のフィレンツェで、14世紀のフィレンツェを舞台とした「ジャンニ・スキッキ」と近い。しかし、人間の物欲に焦点を当てた喜劇と、色欲と復讐がテーマとなる「戯れ言の饗宴」とでは作品の雰囲気が全然違います。こちらは主要な登場人物は皆悪人ですし、それぞれが負のオーラで満ちています。ジョルダーノの音楽も、ヴェリズモ風の生々しい音が多く、救いがない感じです。これで、もう少し上演時間を長くして、聴き手の気が休まるような音楽が含まれればよいのでしょうが、そこも又ヴェリズモ風で、この復讐譚に関する以外のところは徹底的に削ぎ落とし、正味1時間40分ほどの作品に仕上げていますから、余計に物語の救いのなさに胸をつくところがあります。どの登場人物に対しても感情移入ができない。

　演奏は、端的に申し上げればヴェリズモチックでした。オーケストラも、出演者たちもヴェリズモ的表現を意識して演奏しているように思いました。しかし、それが嵌らないこと著しい。オーケストラは練習が不十分だったのか、管楽器がかなりボロボロな感じでした。冒頭でホルンが大コケしたのをはじめ、変なところで音が無くなったりして、しっかり感が感じられない。勿論私はこの作品を聴くのは初めてですから、そうスコアにあるのかもしれないけど。ジョルダーノ先生が書いてある通りに演奏しているとすれば、この作品が演奏されないのは無理もないというところです。

　出演者の方も嵌っていない感じが最初から最後まで付きまといました。ヴェリズモ的な表現を意識して、ドラマティックに走り過ぎたのではないかと思います。この作品は近代作品だけあって、歌唱技術をひけらかすようなところはない割には、技術的な難しさがあって、そこをこなしきれていなかったのではないかと思うところもありました。

　この騒動の原因役でもあるジネーヴラ。福田玲子の歌唱はドラマティックで妖艶さを全く感じさせないもの。ジャンネットとの愛の二重唱が二人で決闘しているように聴こえてしまうのは如何なものか。それ以外を含めて、福田がもっと色っぽく歌って、会場の男たちに「こんな女になら誘惑されるのは仕方がない」と思わせるようであって欲しいのですが、そうは全然歌ってくれないので、白けてしまう感じがあります。

　松村英行のジャンネットも説得力がありません。音程を安定させるためなのか、喉を締め付けて高音を出している感じが常にあって聴いている方が辛くなってしまうところがあります。ドラマティックな役柄であることは間違いなのですが、もう少し、喉の筋肉を柔らかくして、リリックに歌われた方が良かったのではないかという気がしました。

　それに対して、バリトンに転向した羽山晃生のネーリ。一番嵌っていたと思います。声に力はあるし、表情に引き込まれるものがあります。捉えられて逆上する演技なども真実味があって聴き応えがありました。今回の上演の一番の立役者と申し上げてよろしいのではないでしょうか。ところどころ出てしまうビブラートがもっと少ないと、緊張感がさらに増して、もっと聴き応えがあったように思います。

　西塚巧の歌うガブリエッロは第4幕のストルネッロが美しく良好。羽山弘子のリザベッタは、第三幕での短いアリアが素敵で、その後続くネーリとの二重唱が、息があっていて素敵でした。

　それ以外の脇役勢では、菅原みずほの女中役が良く、出演時間はわずかですが、石川誠二のトリンカが良かったと思いました。

　上演全体は4幕が一番まとまっていた感じがします。四幕でようやく全体の統制が取れて来たということなのかもしれません。

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