観劇日：2009年10月24日 
入場料：B席　5000円　２階３列１３番

平成21年度文化芸術振興費補助金（芸術創造活動特別推進事業）
主催：東京オペラ・プロデュース　

東京オペラ・プロデュース設立３５周年記念公演
東京オペラ・プロデュース第８４回定期公演

オペラ・ブーフ3幕、台詞日本語歌唱字幕付原語（フランス語）上演
シャブリエ作曲「エトワール｣（L' Etoile)
台本：オウゲニ・レテリエール/アルベルト・ヴァンロー

会場：大田区民ホールアプリコ大ホール

ラズリ	：	岩崎　由美恵
ラウラ王女	：	及川　睦子
ウーフ�T世	：	上原　正敏
シロコ	：	峰　茂樹
アロエス	：	田辺　いづみ
エリソン	：	松村　英行
タピオカ	：	島田　道生
オアシス	：	平松　理沙子
ユーカ	：	前坂　美希
アスフォデール	：	鈴木　美也子
ヅィニア	：	中村　伊津美
ククリ	：	安達　郁与
アドゥザ	：	樺沢　わか子
パタシャ	：	小城　龍生
ザルザル	：	白井　和之
警視総監	：	保坂　真悟
市長	：	工藤　博

感　想　喜歌劇の難しさ-東京オペラ・プロジュース「エトワール」を聴く

　シャブリエと言えば、「スペイン狂詩曲」やいくつかのピアノ曲は知っていましたが、オペラやオペレッタをいくつも作曲した方だということは知りませんでした。そのシャブリエの歌劇の実質的デビュー作「エトワール」を、『欧米では上演されていても日本では観ることのできない珍しい名作、埋もれてしまった秀作を上演する』ことに力を注いでいる東京オペラ・プロデュースが取り上げたので、蒲田まで聴きに伺いました。

　この「エトワール」という作品はオッフェンバックの喜歌劇「天国と地獄」の系列に属する喜歌劇です。すなわち、「天国と地獄」がオペラ・ブーフと呼ばれたのと同様にオペラ・ブーフです。エスプリの利いた寓話劇で、作曲した時代のフランスを大いに批判していたのでしょう。物語は、残酷な王様が処刑しようとした少年が、自分の生命の長さを決めているという占いを聞いて、その少年を何とか長生きさせようとあたふたするお話です。非常に皮肉の利いた物語でストーリーとしてはなかなか面白いものですが、今回の東京オペラ・プロデュースの上演にはかなり疑問が残りました。一言で申し上げれば、喜歌劇なのに笑えないのです。

　一番の問題は、台詞を日本語で言って、今の日本を踏まえたくすぐりを一杯入れているのに対し、歌唱をフランス語のオリジナルで行ったことでしょう。これは、「エトワール」という作品が日本ではほとんど知られておらず、本格的な舞台上演としては初めてであること、また東京オペラ・プロデュースの考え方が、できるだけオリジナルに沿った形で上演するという姿勢を取っている団体であることを踏まえれば、やむをえないことだろうとは思うのですが、反対にほとんど知られていない作品故に、音楽の部分と台詞の部分とが融和しない。珍しい作品を上演する意気込みは買いたいのですが、ここがうまくいかないと、作品としてはなかなか聴きごたえが生じないのもまた事実です。こういう融和は、上演経験の蓄積の中で少しずつされていくものだとは思いますので、もし再演されるとすれば、その機会に期待しましょう。

　またこの作品を聴いていて感じた違和感に関しては、おそらく音楽の引っ張り方も関係していると思います。指揮の飯坂純の音楽作りは、どこか一寸振りかぶってくるところがあって、音楽がすぐにトップスピードに乗らないところがあります。後半のたたみかけてくるところなどは、なかなか良い指揮ぶりを発揮していたとは思うのですが、前半は一寸重い感じがしました。この音楽の微妙な重さと、台詞の軽薄さとが噛み合ってこないのですね。

　じゃあ、台詞の部分がよかったかといえばこれまた微妙です。出演者の演技は、峰茂樹や島田道生などの例外を除けば、ありていに申し上げれば学芸会レベル。だからせっかくのくすぐりのツボが外れてしまう。たとえば、エリソン一行が登場する場面の踊りなどは、あまりのぎこちなさに思わず笑ってしまいました。そういう「滑っている」部分を笑うことはできるのですが、笑いがツボにはまってこない。日本オペレッタ協会の寺崎裕則氏は、オペレッタを歌う方を「歌役者」と呼んで、歌と演技の双方の高いレベルでのバランスを問うわけですが、その意味では今回の上演で「歌役者」は少なかった、と申し上げましょう。

　歌手陣もどこか戸惑いがあるようで、いまひとつピンとこない方が多かったと思います。その中で一番存在感があったのが上原正敏のウーフ一世。上原は基本的に美声ですし、経験も豊富なだけあって、歌唱もそれなりに魅力的でしたし、どこかキッチュなおかしさを醸し出していて味がありました。

　実際の歌唱部分はあまりないのですが、峰茂樹のシロコも結構でした。このオペレッタの根本のトラブルメーカーである王様のお仕え占い師の役を十分にこなしていたのではないかと思います。王様が亡くなった後15分後に後追いするようにいわれたシロコが、遺言状を書き変えてくれるように頼むところの演技などは、さすがにベテランだと思いました。

　女声陣ではまず田辺いづみのアロエスがよかったです。本来メゾソプラノの方ということでしたが、高音で声が痩せることもなく、全体に張りのある声で、存在感がありました。岩崎由美恵のラズリは、高音はきっちり伸びていますし、どこが悪いと指摘するほど悪くはないと思うのですが、全体としてどこかくすんでいて、いまひとつ魅力的ではありません。ズボン役の戸惑いが本人にあるのかもしれません。もっと開き直った歌唱を期待したいところです。及川睦子のラウラは、及川の声が中低音に強く、高音が伸びないという特徴があるせいもあるのでしょうが、前半は今一つ、後半はそれなりに聴かせてくれました。

　以上全般的に詰めの甘い、生煮えの舞台でした。八木清市の舞台づくりは、この作品の寓話性を意識したもの。オリエンタルな雰囲気もありましたが、基本的にはおとぎ話としてのつくりで、きっちりと全体がまとまれば十分楽しめるものになったと思います。音楽だけで持たせられるオペラとは違った難しさを痛感させられた舞台でした。

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観劇日：2009年10月29日

入場料：5670円、座席：D席　4F１列25番

主催：新国立劇場

オペラ2幕、字幕付原語（ドイツ語）上演
モーツァルト作曲「魔笛」（Die　Zauberflöte）
台本　エマヌエル・シカネーダー

会場　新国立劇場オペラ劇場

指　揮	：	アルフレート・エシュヴェ
管弦楽	：	東京交響楽団
合　唱	：	新国立劇場合唱団
合唱指揮	：	三澤　洋史
演　出	：	ミヒャエル・ハンペ
美術・衣裳	：	ヘニング・フォン・ギールケ
再演演出	：	三浦　安浩
照　明	：	高沢　立生
振　付	：	伊藤　範子
舞台監督	：	斉藤　美穂

出　演

弁者	：	萩原　潤
ザラストロ	：	松位　浩
夜の女王	：	安井　陽子
タミーノ	：	ステファノ・フェラーリ
パミーナ	：	カミラ・ティリング
パパゲーノ	：	マックス・ブッター
パパゲーナ	：	鵜木　絵里
モノスタトス	：	高橋　淳
侍女1	：	安藤　赴美子
侍女2	：	池田　香織
侍女3	：	清水　華澄
童子1	：	前川　依子
童子2	：	直野　容子
童子3	：	松浦　麗
武士1	：	成田　勝美
武士2	：	長谷川　顕
僧侶	：	大槻　孝志

感　想　少しずつ変わる再演-新国立劇場「魔笛」を聴く

　98年プレミエのハンペの魔笛は新国立劇場4度目の登場です。オーソドックスで分かりやすい演出で、「魔笛」の演出の中では私の好きなものの一つです。だからこそ新演出に変わらないのでしょうね。結構なことだと思います。レパートリー公演ですから、もうハンペが手を出すことはなく、日本の若手の演出家たちが少しずつ手を加えています。前回の2006年公演では、田尾下哲が再演演出を担当し、今回は三浦安浩が担当しました。根本はハンペの演出ですが、細かいところは再演担当の色が出てきているように思います。細かい歌手の動かし方などは少しずつ違っているように思いました。たとえば、モノスタトスの動きであるとか、「パ、パ、パの二重唱」におけるクナーペの動きとか。もちろんこちらも細かいところまでしっかり覚えているわけではないので、気がする程度なのですが。このような小さな変更を加えながら舞台が良くなっていくことはもちろん歓迎します。

　演奏は初日だけあって、必ずしも十分にこなれていないところがありました。特にタミーノ。今回のタミーノ役、ステファノ・フェラーリは、99年タミーノを歌ってデビューしたテノールだそうですから期待していたのですが、期待はずれと申し上げてよいでしょう。タミーノに期待したい軽くて伸びる声ではなく、どこか微妙な引っかかりのある声でいまひとつ伸びない。更に冒頭は喉が温まっていなかったようで、「なんと美しい絵姿」は美的にも声の伸びも今一つでした。一幕後半と二幕前半は少し持ち直しましたが、やはり美声というにははばかられる歌唱で、私はあまり感心しませんでした。

　こなれていないという意味ではオーケストラもそうかもしれません。十分に音楽に乗りきっていないところがあり、一寸無骨な演奏だったと思います。それでも06年の服部譲二の伴奏に徹していた演奏よりは、今回のエシュヴェの演奏のほうが私は良いと思いました。エシュヴェの演奏も伴奏的なところも相当あるのですが、こまごまと自分の主張も入れているようで、06年のとき感じた散漫な印象は今回はなく、演奏には比較的求心力があってよかったと思います。

　歌手陣では今回は脇役勢が実力を発揮していたと思います。まず３人の童子が良い。このクナーペ役は児童合唱団の団員が務めることもあるぐらいで、特別難しい役ではないですが、細かいところまできっちりと歌うためには訓練された大人のほうが良いようです。今回の前川、直野、松浦の3人は新国立劇場合唱団のメンバーでかつソリストの経験もある方なので、こういうアンサンブル役にはうってつけなのでしょう。平均化された美しいトーンで細かいところもゆるがせにしないアンサンブルで良かったと思います。

　アンサンブルといえば、3人の侍女も結構。もっとも良かったのは最低音部を歌った清水華澄。次いで、中音担当の池田香織。相対的には一番パッとしなかったのが安藤赴美子でしたが、若手の実力者で固めたダーメのアンサンブルは力のこもった魅力的なもので、大変感心しました。特に冒頭部は、タミーノが今一つだったので、侍女たちのパワーがより目立ったようです。

　モノスタトスの高橋淳もよい。彼は2006年の時もモノスタトスを歌って良かったのですが、更に良くなっているように思います。こういうキャラクター・テノールとしては今一番乗っている方だということなのでしょう。一寸大げさな演技も3年前の演技を更に過剰に行おうとした結果かもしれません。

　それに対して主役級は必ずしも満足できないところがありました。

　ザラストロ役の松位浩。一番響く音域がたぶんザラストロに求められる音域よりも若干高いのだと思います。パミーナに向かって歌う「この聖なる神殿では」は優しい父親的印象があって結構なのですが、「イシスとオリシスの神々よ」のように威厳をきっちり表現しなければならないところでは、低音の響きが今一つ乏しく、威厳が示せないきらいがあります。そこが残念なところでした。

　安井陽子の夜の女王。今一つでした。特に第一幕のアリアが満足いきません。コロラトゥーラの部分はさすがなのですが、前半の母親の悲しみを表現する部分は全然悲痛さを感じることができませんでした。第2幕の「復讐の心は地獄のように燃え」は、夜の女王の怒りを表明する部分や技巧的なところはさすがに上手なのですが、どうでもいいところは十分気が回らないところがあるようで、画竜点睛に欠きました。夜の女王の歌唱に関しては4年前の佐藤美枝子に軍配を上げます。

　カミラ・ティリングのパミーナは良かったです。見た目もお嬢様風でよかったのですが、声にも気品があり、そこがまず良いところです。歌唱もバランスのとれた素敵なもので今回の一番の収穫でした。パパゲーノとの二重唱や、第二幕の悲痛なアリアにおける歌唱など大変よかったと思います。

　マックス・ブッターのパパゲーノの表現は類型的でありましたが、悪いものではありませんでした。ところどころ入る日本語のジョークは06年とは異なっているようでした。そういうところも含めて手堅いパパゲーノだと申し上げてよりしいのではないでしょうか。

　それ以外の脇役陣もおおむね良好。鵜木絵里のパパゲーナと大槻孝志の僧侶が一寸気に入っています。
　
　全体的には初日の硬さが影響していたようです。第2回目以降は更にこなれてくるでしょう。

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観劇日：2009年10月31日
入場料：A席　5000円　3F8列7番　

主催：神奈川オペラフェスティバル実行委員会/NPO法人横浜シティオペラ
共催：神奈川県民ホール

第19回神奈川オペラフェスティバル'09第2夜

オペラ2幕、字幕付原語（イタリア語）上演
ドニゼッティ作曲「愛の妙薬｣（L'Elisir d'amore)
台本：フェリーチェ・ロマーニ

会場：神奈川県民ホール

アディーナ	：	高橋　薫子
ネモリーノ	：	倉石　真
ベルコーレ	：	宮本　益光
ドゥルカマーラ	：	高橋　啓三
ジャンネッタ	：	加藤　千春

感　想　日本一のアディーナ-横浜シティオペラ「愛の妙薬」を聴く

　高橋薫子のアディーナが当然とはいえ、大変素晴らしいものでした。今年私は「愛の妙薬」を6回鑑賞しました。6人のアディーナは、宮本彩音、森麻季、川越塔子、高橋薫子、納富景子と今回の高橋薫子で高橋が２回になります。５人の中では森と高橋とが抜き出ているのですが、トータルでは高橋が一番でしょう。森は美声で技術も高く、素晴らしいソプラノではありますが、細かい息遣いとか、表現のコントロールでは高橋に一日の長があります。

　高橋薫子個人の歌唱に歌唱に関して申し上げれば、前回の藤原歌劇団本公演におけるアディーナよりも本日のアディーナの方が上だと思います。藤原公演は、何せ演出が現代風だったので、演技に対する意識が強く出、もちろん大変上手な歌だったのですが、どこか緊張したようなところがありました。それに対して本日は、高橋薫子にとってなじみの演出ということもあるのでしょう。もっと伸びやかな歌唱になっていたと思います。そういうところまで含めて考えれば、本日の高橋ア薫子ディーナが、本年私が聴いたベスト・アディーナだったように思いますし、高橋薫子こそが日本一のアディーナだと改めて思いました。

　素晴らしいところはたくさんあるのですが、特に第二幕のドゥルカマーラとの二重唱「なんという愛なの」のアダージョからドゥルカマーラとの二重唱を経てカバレッタに行く部分の技巧的にも表現的にも見事な歌唱は特に素晴らしいものでした。

　この高橋薫子の歌唱を支えた小崎雅弘指揮するところの神奈川フィルハーモニー管弦楽団も良かったです。神奈川フィルは、森麻季がアディーナを歌った公演でもピットに入っており、この作品に慣れていたということはあるのでしょう。余裕のある演奏だったように思います。小崎雅弘の音楽づくりは、歌手に寄り添いながらも比較的きびきびしたもので、結構だと思いました。

　更にベルコーレの宮本益光も良い仕事をしました。宮本ベルコーレも今年二度目ですが、本日のベルコーレこそが私が聴いた本年のベルコーレの中のベストだったように思います。コミカルで過剰な歌唱は、宮本ならではのものでした。

　また、ジャンネッタ役の加藤千春もよい。このオペラではジャンネッタという役柄は合唱を引っ張るソロパートを歌う役割しか与えられていないのですが、加藤の歌は、合唱と一緒に歌っても、合唱に埋没することなく、上にきちんと浮かんで聴こえて、そのバランスの良さに感じ入りました。

　以上が良いところ。一方これは？と思う処も少なからずありました。

　まずネモリーノ役の倉石真が不調でした。登場のカヴァティーナ「なんて美しいんだろう」を聴いて、とてもネモリーノを歌う声ではないな、と思いました。声が太くて張りがなく、本来ネモリーノに期待される明るい芯のある声ではありませんでした。それでも第一幕の後半は声をまとめて、それなりのテノール的発声をされていますが、ちょっと気を抜くと、すく野太い声になります。一番の聴かせどころである「人知れぬ涙」はテノール的美声で歌おうとして、それなりにまとめてはきているのですが、声にどうしてもざらつきが残り、音が濁ります。あまりよろしいものではなかったと思います。

　高橋啓三のドゥルカマーラ。彼の歌唱のスタイルも私の好むドゥルカマーラとは異なっておりました。一言で申し上げれば歌に厳しさが欠けているのです。もちろんそういう歌い方をすることで、ドゥルカマーラのいかがわしさを表現しようということはあったのかもしれませんが、結果としてぼんやりした印象のドゥルカマーラになりました。登場のアリアの口上などは、もっと立て板に水で、すっきりとたたみかけて欲しいですし、第二幕の聴かせどころである「私は金持ち、おまえは美人」の二重唱は、高橋薫子のきりっと締まった歌唱に寄り添った歌唱を行ってほしいと思いました。

　粟國淳の演出は、1997年に藤原歌劇団のために考案した舞台が基本で、それを踏襲したもの。オーソドックスで美しく、いかにも田舎の田園劇だな、と思わせるものでした。

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観劇日：2009年11月7日
入場料：C席　4000円　2FJ列26番　

芸術文化振興基金助成事業
主催：日生劇場（ニッゼイ文化振興財団）

NISSAY OPERA 2009/青少年のための「日生劇場オペラ教室」第30回公演

オペラ3幕、字幕付日本語上演
フンパーディンク作曲「ヘンゼルとグレーテル｣（Hanzel und Gretel)
ブレーメン劇場版
台本：アーデルハイト・ヴェッテ/日本語訳詞：田中信昭
会場：日生劇場

ヘンゼル	：	田村　由貴絵
グレーテル	：	臼木　あい
ゲルトルート（母親）	：	渡辺　敦子
ペーター（父親）	：	青戸　知
露の精	：	諸井　サチヨ
眠りの精	：	虎谷　亜希子
魔女	：	蔵野　蘭子

感　想　若手の力-日生劇場「ヘンゼルとグレーテル」を聴く

　「ヘンゼルとグレーテル」は、子供が見られるオペラということで、比較的上演頻度が高いのですが、私にはあまり縁のない作品のようで、2002年の新国立劇場公演以来7年ぶりの鑑賞となりました。

　「かつて、子供だったすべての大人に贈るファンタジー」というのが今回の公演のキャッチ・フレーズですが、確かに舞台は子供向けというよりは大人のセンスです。イエス・キリヤンの舞台美術は、ポスターにもあった黒白の市松模様が基本のモチーフで、お菓子の家がこのデザインで示されること。市松模様のスカートをはいた魔女は、山中美奈という女優さんが演じ、蔵野蘭子の魔女は、燕尾服を着てこの人形のような魔女の隣で歌います。これはなかなかモダンなものです。

　第一幕のヘンゼルとグレーテルの家にしても、ヘンゼルとグレーテルが幼い子供たちであることを強調するために家具が大きくしつらえられています。その無機的な巨大さは、例の東京リングの舞台を私に思い出させました。全体として無機的な舞台。シューラーは、以上のような現代風の無機的な舞台の中で、ヘンゼルとグレーテルという作品の持つ教訓性を示そうとしていました。

　なお、ブレーメン劇場版ということで、歌詞はオリジナルのものと異なっているようです。日本語の訳詞にしても冷蔵庫が出てきたり、ペーターの仕事が大工さんで、住宅地の造成が始まるのでお金が稼げると言っておりました。

　演奏は上々でした。まず、下野竜也の統率が非常に的確だったと思います。「ヘンゼルとグレーテル」というワーグナーの影響の大きい、言い換えるならばオーケストラの活躍する部分の大きい作品を、テンポもデュナーミクも適切にコントロールして、メリハリのついた演奏に仕上げていました。本日の演奏の最大の功労者が下野であったことは間違いないところだと思います。これに対する読売日本交響楽団の演奏を見事なもので、大いに感心いたしました。

　主役のヘンゼルの田村由貴絵、グレーテルの臼木あい共にこれまた素晴らしい歌唱でした。私は日生劇場の最後列で聴いていたのですが、田村、臼木共良く声が飛んできて上々、田村の少年の表現がことに素敵でした。臼木あいの歌唱は、コロラトゥーラの技術など技巧的なところは非常に見事でしたが、オーケストラに負けないように意識した声の出し方をしているせいか、ヴィヴラートの振幅が一部広がるところがありました。それにしても田村、臼木という若手の歌手がしっかりした見事な歌唱をされたことは素晴らしいことだと思います。

　ペーターの青戸知、ゲルトルート渡辺敦子の歌唱も結構でした。ことに青戸のドイツ民謡の表現は、彼のメンタリティと良く合致しているようで、声の響き、ペーターの持つ楽天的父親の雰囲気の表出共に、とても納得のいくものでした。ゲルトルートのヒステリックな表情もしっかりしたもので、渡辺敦子の力量をはっきり示したものだったと思います。

　出演時間は大したことはないのですが、虎谷亜希子の眠りの精、諸井サチヨの露の精もなかなか良いものでした。

　一寸期待はずれだったのが蔵野蘭子の魔女。蔵野といえば、ドラマティックな役柄の得意なソプラノという印象でいたわけですが、本日は声量が今一つ。ソプラノ・リリコ・レジェーロの臼木あいよりも声の飛びは貧弱でした。その結果、魔女に対する怖さが減弱されていたように思いました。

　細かい問題はあるにせよ、下野の素晴らしい舞台コントロール、オーケストラコントロールと、ヘンゼル、グレーテルの両主役の歌手の歌唱が素晴らしかったことから、まとまりのよい素晴らしい演奏なりました。こういう演奏を聴けることは大変嬉しいことです。
　
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観劇日：2009年11月13日
入場料：B席　5000円　2FG列19番　

主催：北区文化振興財団/北区
北とぴあ国際音楽祭2009

オペラ3幕、字幕付歌唱フランス語、台詞フランス語/日本語公演
グルック作曲「思いがけないめぐり会い、またはメッカの巡礼｣（La rencontre imprévue, ou Les pèlerins de la Mecque)
台本：ルイス・ハータウト・ダンクール

会場：北とぴあさくらホール

レジア	：	森　麻季
パルキス	：	野々下　由香里
ダルダネ	：	柴山　晴美
アミーヌ	：	山村　奈緒子
アリ	：	鈴木　准
オスミン	：	羽山　晃生
托鉢僧	：	フルヴィオ・ヴェッティーニ
ヴェルデゴ	：	大山　大輔
スルタン	：	根岸　一郎
隊長	：	谷口　洋介

感　想　改革の旗手のもう一つの顔−北とぴあ国際音楽祭2009「思いがけないめぐり会い、またはメッカの巡礼」を聴く。

　グルックは、オペラ史ではバロックオペラ改革の旗手として極めて重要な位置づけを占めております。「オルフェオとエウリディーチェ」、「アルチェステ」、「トーリードのイフィジェニー」という改革オペラの発表が、バロックオペラの終焉と古典派オペラの発展に寄与したことは間違いないのでしょう。しかし、一方でグルックはオペラセリアの改革作品ばかり作っていたのではなく、喜劇的オペラもたくさん作曲していたことは注目してよい事実です。

　「思いがけないめぐり会い、またはメッカの巡礼」は、改革オペラの第一作である「オルフェオとエウリディーチェ」初演（1762）の2年後の1764年に発表されたオペラ・コミックです。フランス語の台本に作曲されたフランス風の喜歌劇ですが、初演の地はウィーンのブルグ劇場。要するに当時のウィーン市民のフランス趣味に合わせた作品で、一方でオペラ改革を主張しながらも、流行を忘れずに取り入れるというグルックの立ち位置を感じさせられる作品です。「グルックの裏の顔」という言い方もされるようですが、グルックにしてみればいろいろな作品を書いている、ということにすぎないようにも思います。

　今回の上演は日本初演ではないそうですが、私の手持ちの記録に「メッカの巡礼」が上演されたという記載はないので、本格的な上演は日本で初めてと思われます。

　作品の基本的な骨格は、モーツァルトの名ジングシュピール「後宮からの誘拐」と同様で、スルタンの後宮に売られた恋人レジアを助けようというもの。したがって、この作品の「レジア」は「後宮」の「コンスタンツェ」に対応し、同様に「アリ」と「ベルモンテ」、「オスミン」と「ペドリロ」、「スルタン」と「トルコの太守」が対応しています。もちろんグルックの作品のほうが「後宮」よりも18年早く発表されていますので、オリジナリティはこちらです。しかし、作品としての魅力は「後宮からの誘拐」に軍配が上がります。

　この作品は合唱が使用されないこと、フィナーレを別にすれば重唱も一部の採用であり、基本的にはアリアと台詞（オペラ・コミックなので、レシタティーヴォは使われない）で作られており、音楽的に単調であることは否めません。一方、主役のソプラノやテノールには技巧的なアリアが与えられており、伝統的なオペラ・セリアの雰囲気もあります。すなわち「思いがけないめぐり会い、またはメッカの巡礼」は、オペラ改革の旗手の作品でありながらも、旧来の伝統の延長線上に作られた作品だ、ということが言えるのかも知れません。

　演奏はなかなか結構なものだったと思います。特に主役の森麻季と鈴木准のコンビが良かったと思います。

　森麻季は、バロックから古典派にかけての技巧的なソプラノ役が一番似合っているとかねてから思っているのですが、今回の演奏を聴いて、ますますその意を強くしました。透明度のある伸びやかな高音や技巧的な表現いずれも素晴らしく、大声量を要求されないこのような作品では、発声も自然で、大変素晴らしく思いました。特に第二幕後半のアリア「つらい別れの後で」と第3幕の「どこまでもあなたに従います」の二つが白眉でした。

　鈴木准もリリコ・レジェーロのテノールで、このアリという役にぴったりだと思いました。技巧の冴えは、森麻季程ではありませんでしたが、軽いしっかりした高音の響きは、登場のアリアに相当する「レシアよ、あなたが至上の人」から始まり、第3部のアンサンブルフィナーレに至るまで、魅力的だったと思います。

　羽山晃生のオスミンもなかなか良かったと思います。羽山の声はテノールとしては低く、ハイバリトンと申し上げてもよいほどでした。オーセンティックな演奏という視点で考えたとき、オスミンを羽山のような表現を行うのが妥当かどうかはよく分からないのですが、低音を響かせることにより俗性をより強調し、王子アリとの対比を明確に示されていたことは明らかです。

　3人の侍女は、声の飛びかたの点が今一つ。特に、野々下由香里は一幕が今一つ調子が良くなかったように思いました。三人の中では、山村奈緒子が一番まとまった歌唱をされていたように思いました。

　この作品の登場人物の中で唯一の悪役というよりも小悪党である托鉢僧は、ヴェッティーニが演じました。日本人歌手が台詞を日本語でいう中、托鉢僧だけは、台詞をフランス語で話し、日本語とフランス語の掛け合いなどもあるわけですが、この辺のタイミングはよく整っていたと思います。托鉢僧はある意味道化役でもあるわけですが、ヴェッティーニは演技・歌唱ともさすがに上手で、存在感が際立っておりました。

　お話の本筋には全く関係ないのですが、第3幕で活躍するのが、大山大輔扮するヴェルディゴです。ヴェルディゴとオスミン、そしてパルキスの三重唱は、「アダージョですか？、いいえ違います」という始まりで、オーケストラの紹介と楽典の講義を行います。このヴェルディゴは、筋とは全く関係ない役割ながら、存在感がありました。

　飯塚励生の演出は、カイロの街中の雰囲気を意識した第1，3幕と後宮を意識した第2幕ですが、割合分かりやすいすっきりしたもの。私にはよい演出でした。寺神戸亮とラ・ポレアードのの演奏は、例年のごとく立派なもの。全体としては、作品の弱さは目につくものの、演奏自身はなかなか結構だと思いました。
　
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観劇日：2009年11月18日

入場料：6615円、座席：C席　4F2列33番

平成21年度（第61回）文化庁芸術祭主催公演

主催：文化庁芸術祭執行委員会／新国立劇場
共同制作：バイエルン州立歌劇場（2008年11月プレミエ）

オペラ3幕、字幕付原語（ドイツ語）上演
ベルグ作曲「ヴォツェック」（Wozzeck）
台本　アルバン・ベルグ
原作　ゲオルグ・ヒューヒナー

会場　新国立劇場オペラ劇場

指　揮	：	ハルトムート・ヘンヒェン
管弦楽	：	東京フィルハーモニー交響楽団
合　唱	：	新国立劇場合唱団
合唱指揮	：	三澤　洋史
児童合唱	：	NHK東京児童合唱団
児童合唱指導	：	金田　典子/加藤　洋朗
演　出	：	アンドレアス・クリーゲンブルグ
美　術	：	ハロルド・ドアー
衣　裳	：	アンドレア・シュラート
照　明	：	シュテファン・ボリガー
振　付	：	ツェンタ・ヘルテル
舞台監督	：	大澤　裕

出　演

ヴォツェック	：	トーマス・ヨハネス・マイヤー
鼓手長	：	エンドリック・ヴォトリッヒ
アンドレス	：	高野　二郎
大尉	：	フォルカー・フォーゲル
医者	：	妻屋　秀和
第一の徒弟職人	：	大澤　建
第二の徒弟職人	：	星野　淳
白痴	：	松浦　健
マリー	：	ウルズラ・ヘッセ・フォン・デン・シュタイネン
マルグレート	：	山下　牧子
マリーの子供	：	中島　健一郎
兵士	：	二階谷　洋介
若者	：	小田　修一

感　想　モンスター-新国立劇場「ヴォツェック」を聴く

　20世紀オペラの最高峰とも言われる「ヴォツェック」ですが、なかなか上演される機会は少なく、東京での上演は、1997年のベルリン国立歌劇場日本公演以来です。私は初めての実演経験。新国立劇場前芸術監督の故若杉弘が上演にこだわっていたというだけあって、かなり力の入った舞台でした。

　アンドレアス・グリーケンベルグの演出は、この作品をより複雑なものとして解釈しようとするもの。結果としてその方針は、全体の不安定さにつながり、カーテンコールにおけるBooにつなかったと思いますが、本来「不安」がテーマの作品ですから、こういった不安定な演出は悪いものではありません。

　その不安定さを示すために、グリーケンベルグは、この舞台をヴォツェックの心象風景として描こうとしました。社会の最下層民であるヴォツェックにとって信頼できるのは内縁の妻マリーとその息子。それ以外の存在は彼にとってはモンスター以外の何物でもありません。彼らの部屋は、舞台の上に浮いた空間で、そこは、大尉のひげをそる場所であり、あるいは医者による生体実験の場でもあるわけですが、その部屋は壁がむき出しになった倉庫のような部屋で、そこは、貧しさの象徴でもあると同時に、ヴォツェックの足元の弱さの象徴でもあります。

　ここに常にいるのはマリーの息子。このマリーの息子は母親にネグレクトされた存在として登場します。私は「マリーの息子」というだけあってこの子供はヴォツェックと血の繋がりのない存在だと思っていたのですが、この子供は、母親を忌避し、ヴォツェックに親愛を示す存在として登場します。それはやはりすっきりしない関係であり、この舞台の不安定さを増強するものだと思いました。

　更に、グリーケンベルグは、このヴォツェックを社会の最下層民として描こうとはしませんでした。黒い背広姿の男たちは、投げ入れられた食料をあさり、または、浮いた部屋を支えるもっと貧しい人たちです。アルバイトと書かれた看板を首から下げた男たちは、たとえ人体実験のモデルであっても仕事のあるヴォツェックのほうがまだマシ、というメッセージが込められているのかもしれません。

　舞台の床には深さ数センチの水が蓄えられています。ここを人が歩くとぴちゃぴちゃ音を立てると同時に、足元の重さに目をひかれます。この水の重さもまたモンスターであり、社会の最下層にある人たちの重さなのでしょう。本来のストーリーである下層民の痴話喧嘩に始まる殺人、という構図を社会の暴力、あるいは現代の重苦しさとした一般化がこの演出の特徴なのでしょうが、それはなんとも刺激的でありました。

　こういう作品だけに、重要なのは指揮とオーケストラだと思います。私はこの作品に関してはそれほど聴取経験がないので、良し悪しはよくわからないのですが、ヘンヒェンと東京フィルの演奏は一言で申し上げれば手堅いものでした。指揮者がもっと鋭利な刃物のような演奏を意図すれば、それはそれで面白かったとも思うのですが、演出の不安定さを意識してあえて音楽づくりは手堅くしたのかな、とも思いました。熱狂を呼ぶような演奏ではありませんでしたが、悪いものではありませんでした。

　歌手陣は、総じてバランスが良かったように思います。

　一番良かったのは、マリー役のシュタイネンです。彼女は表現も多彩で、高音の伸びもなかなか良く、存在感がありました。外題役を歌ったマイヤーもなかなかの出来です。前半は狂言回し的な雰囲気が強く、個性があまり見えていなかったのですが、第3幕の狂気は聴きごたえがあったと思います。それ以外の歌手については、取り立ててアリアがあるわけでも、存在感の強い演技を要求されているわけでもありませんが、全体に粒がそろっていたと思います。アンドレス役の高野二郎、医者の妻屋秀和、マルグレートの山下牧子がなどが秀逸であり、鼓手長のエンドリック・ヴォトリッヒ、大尉のフォルカー・フォーゲルも悪くないと思いました。　

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観劇日：2009年11月20日

入場料：5000円、座席：D席　2F K列33番

平成21年度文化芸術振興費補助金（芸術創造活動特別推進事業）
主催：財団法人東京二期会
共催：日生劇場（ニッゼイ文化振興財団）　

東京二期会オペラ劇場

音楽のための会話劇1幕（２場構成）、字幕付原語（ドイツ語）上演
リヒャルト・シュトラウス作曲「カプリッチョ」（Capriccio）
台本　クレメンス・クラウス及びリヒャルト・シュトラウス

会場　日生劇場

指　揮	：	沼尻　竜典
管弦楽	：	東京シティ・フィルハーモニック管弦楽団
演出・装置	：	ジョエル・ローウェルス
照　明	：	沢田　祐二
衣　装	：	小栗　菜代子
振　付	：	伊藤　範子
舞台監督	：	小栗　哲家/金坂　淳台

出　演

伯爵令嬢マドレーヌ	：	佐々木　典子
伯爵、伯爵令嬢兄	：	初鹿野　剛
作曲家フラマン	：	望月　哲也
詩人オリヴィエ	：	石崎　秀和
劇場支配人ラ・ロシュ	：	米谷　毅彦
女優クレロン	：	加納　悦子
イタリアのソプラノ歌手	：	羽山　弘子
イタリアのテノール歌手	：	渡邉　公威
幹事長	：	佐野　正一
ムッシュ・トープ（プロンプター）	：	大川　信之
8人の召使�T	：	菅野　敦
8人の召使�U	：	園山　正孝
8人の召使�V	：	西岡　慎介
8人の召使�W	：	宮本　英一郎
8人の召使�X	：	井上　雅人
8人の召使�Y	：	倉本　晋児
8人の召使�Z	：	塩入　功司
8人の召使�[	：	千葉　裕一
エトワール	：	伊藤　範子
男性ダンサー/兵士	：	原田　秀彦
年老いた召使	：	久保　たけし
楽士（チェンバロ）	：	宮本　玲奈
楽士（ヴァイオリン）	：	戸澤　哲夫
楽士（チェロ）	：	長明　康郎

感　想　逃避は分かっているけれども-東京二期会オペラ劇場「カプリッチョ」を聴く

　「月光の音楽」が流れ、最後の場に赤いスーツを着たマドレーヌが杖をついて登場します。そして、音楽家フラマンと詩人オリヴィエを選ぶことができない、すなわち音楽が先か、言葉が先かという命題に、答えを与えることのできない気持ちを歌います。しかし、それを歌うサロンはナチスの暴力により破壊されており、杖をついていることで分かる通り、マドレーヌもそれに巻き込まれて怪我をしています。

　リヒャルト・シュトラウスは「カプリッチョ」を第二次世界大戦中に作曲し、まだドイツが優勢だった１９４２年１０月にミュンヘンで初演されました。この時点ではドイツの絶対的優勢は崩れており、おそらくドイツの衰退を感じながらの初演だったのでしょう。観客はそれだからこそ、現実とは異なる1775年ころのパリ郊外のサロンに心を寄せたのでしょう。もちろんこれは逃避でしょう。でも現実の厳しさから目をそむけて、一夜の甘い夢に浸る、ということが戦争時代にあって悪いわけはないと思います。リヒャルト・シュトラウスはドイツロマン派の最後を飾る大作曲家であり、彼の死をもってドイツロマン派は完全に終焉するのですが、このカプリッチョの最後の場は、その終焉に向けた最後の甘さなのだろうと思います。

　しかし、ローウェルスはそこに1944年の解放前後のパリを持ってきました。そして、前半はあまり戦争の影を感じさせないのですが、フィナーレは戦争の理不尽さ、権力の理不尽さを前に出してきます。本来のあえて現実から逃避した懐古趣味を、現実の歴史に合わせてみるやり方は私はどうにも感心できません。この演出は歌われている内容と比べてもミスマッチですし、本来の台本作家と作曲家の意図も踏みにじっているようにも思いました。

　この最後の場の佐々木典子の歌唱は、破壊された現実の中で、「音楽が先か、言葉が先か」という形而上的感性を歌うので、感情の込め方がなかなか難しかったのではないかと思います。比較的感情過多な表現でした。これは、破壊された周囲の様子の中で、感情の抑制した表現をすればもっと浮いてしまうという判断でこのようにしたのだろうと推測しますが、これも私の趣味ではないし、この作品の目指すところでもないでしょう。

　私は10月にNHK交響楽団の定期演奏会で、アンドレ・プレヴィン指揮、フェリシティ・ロット独唱のこのモノローグを聴いたのですが、あの時のロットの歌唱は、この場面の美しさを徹底して、それも抑制的に表現した、背筋に震えが来るほど素晴らしいものでした。佐々木がどこまで近づけるか期待していたのですが、その完成度ははるかに低いものでありました。その責任は佐々木の歌唱の前に演出にあるような気がしてなりません。

　もうひとつ申し上げればオーケストラも今一つ。シティ・フィルの基本的技量はN響と比較するとずいぶん劣っているようです。最後の場におけるホルンの音などは自然なN響の音と比較するとどうしようもないレベルです。あういうホルンの音を出されるとせっかくの美しい音楽が台無しになってしまいます。

　以上最後は全く納得できていないのですが、前半から中盤にかけてはまあまあの演奏だったと思います。全体的にアンサンブルにもっと磨きをかけて欲しいとは思いましたが、個人個人の歌唱は水準以上だったと申し上げてよいと思います。

　特に望月哲也のフラマンが良く、軽い高音が心地よく響きました。石崎秀和の詩人とのやり取りも悪くないと思いました。また初鹿野剛の伯爵は演技がなかなか達者であり、声もよく、女優クレロンに対するアプローチなども良かったと思います。クレロン役の加納悦子は、声が抜けてしまうところがあって、必ずしも万全ではなかったお思います。佐々木典子のマドレーヌも前半はきっちり存在感をだして、サロンの女王としての感じが良く出ておりました。

　後半冒頭のフーガからラ・ロッシュの大演説に至るアンサンブルは軽快なもので、楽しいものでした。ここでは渡邉公威と羽山弘子の大げさでやや崩れた歌唱や全員での良く分からない議論があり、大演説に至ります。米谷毅彦のラ・ロッシュは好演で、この大演説は魅力あるものであり、表現も納得できました。

　結局のところ最後です。私は逃避だとしても1775年のパリ、オペラ改革が始まったころのパリを素直に再現したほうがずっと良かったと思うのです。逃避をいけないとする考えもいいですが、そうしたことにより、音楽的にもロココ的軽妙さが失われていたように思います。沼尻竜典の解釈は割と中庸なものだと思いましたが、素直な演出での中でもっと丁寧に美しく滑らかに演奏したほうがこの作品の味わいを出せたのではないかと思います。

11月23日追記。以上の感想を11月21日に公開しましたが、私、どくたーTの演出の見方は不適切であるというご意見をこの感想をお読みになった方から頂きました。その方の意見の方が今回のローウェルスの解釈をより的確に見ていると思いますので、ご紹介いたします。 　今回の演出は、前奏曲の部分と終幕の部分が対となっていて、その間にサロンが演じられる構造になっている。音楽家と詩人はどちらもユダヤ人であり、最後にナチスに連行される。何年か経たあと、年老いたマドレーヌ（マドレーヌは怪我をして杖をついていたのではないという見方）は、永遠に失ってしまった（がゆえに、どちらか一方を選ぶことも永遠にかなわない）２人の男への恋心を歌うというものです。 　また、今回の演出はナチスを強調するのですが、これはナチスによって庇護されたシュトラウスに対する批判でもあり、20世紀の半ばの段階におけるオペラという滅び行く（または既に滅んでしまった）ものに対するオマージュとして、多少の皮肉をこめつつ、それ自体がメタ・オペラである『カプリッチョ』を描いて見せたという意見です。 　この演出に対する見方はこのご意見の方が妥当であると思います。なお、この方はこの演出を高く評価されておられますが、私は、このような読み替えのアイディアは演出家の才気を感じさせるものという考えに異論はありませんが、カプリッチョという作品の本質を考えた場合、この演出を支持できるものではないな、と思っています。

 
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鑑賞日：2009年12月2日
入場料：C席、6615円　4階2列47番　

主催：新国立劇場

オペラ3幕　字幕付原語（イタリア語）上演
プッチーニ作曲「トスカ」（Tosca）
原作：ヴィクトリアン・サルドゥ
台本：ジュゼッペ・ジャコーザ／ルイージ・イリッカ

会場　新国立劇場オペラ劇場

指　揮	：	フレデリック・シャスラン
管弦楽	：	東京フィルハーモニー交響楽団
合　唱	：	新国立劇場合唱団
合唱指揮	：	及川　貢
児童合唱	：	TOKYO　FM少年合唱団
児童合唱指導	：	太刀川　悦代、米屋　恵子、金井　理恵子
演　出	：	アントネッロ・マダウ＝ディアツ
美　術	：	川口　直次
衣　装	：	ピエール・ルチアーノ・カヴァッロッティ
照　明	：	奥畑　康夫
再演演出	：	田口　道子
舞台監督	：	斉藤　美穂

出演者

トスカ	：	イアーノ・タマー
カヴァラドッシ	：	カルロ・ヴェントレ
スカルピア	：	ジョン・ルンドグレン
アンジェロッティ	：	彭　康亮
スポレッタ	：	松浦　健
シャルローネ	：	大塚　博章
堂守	：	鹿野　由之
看守	：	龍　進一郎
羊飼い	：	九嶋　香奈枝

感　想　暑苦しさの魅力-新国立劇場「トスカ」を聴く

　私は「トスカ」という作品がどちらかといえばあまり好きな作品ではないのですが、世の中には「トスカ」好きという方が沢山いらっしゃいます。なぜ、そうなのか、というのは色々あるのでしょうが、今回6年ぶりで、トスカを聴いて、あの音楽の暑苦しさに魅力があるのではないか、と思いました。前は、そんなこと全く考えなかったのですが、久しぶりの上演だとそのようなしょうがないことを思います。

　そんなことを思ったのは、今回の演奏が、ありていに申し上げれば、暑苦しさの極限を狙ったような演奏だったからです。

　シャスランの音楽づくりは、デュナーミクを大事にし、劇的な部分はオーケストラを思いっきり鳴らし、静かな部分はそれなりに、という演奏で、ケレン味たっぷりのものです。こういう演奏は、トスカの音楽の特質上当然あり得るわけですが、ここまでなんのてらいもなくこてこてでやられますと、お主、なかなかやるなあ、という感じになります。臭い演奏で、普段の私ではあまり賛同しない演奏スタイルなのですが、結構楽しんでしまいました。良く申し上げれば、熱気がある、でも実際は暑苦しい演奏。でも、ここまで徹底すれば評価せざるを得ません。東京フィルの演奏も、トチッたら冷水を浴びせるようなものですが、さすがに良く演奏している曲目だけあって、要所要所が良くしまったなかなかの名演奏で、暑苦しさを助長していました。

　歌手陣ではまず、カヴァラドッシを歌ったカルロ・ヴェントレを上げなければなりません。ヴェントレの歌唱は、いかにも「僕はイタリアのテノール歌手」といった雰囲気の歌でした。「妙なる調和」の前半こそ、高音の乗りが今一つかなと思いましたが、後半以降は全開でした。アクートを思いっきり利かせ、フェルマータを十分に伸ばし、声の魅力を一杯示そうとする意思、この暑苦しさは大変なものです。このようなやや崩したスタイルは、観客にとって必ずしも喜ばれるものではなく、私が思っていたほどBravoは飛びませんでしたが、このような歌唱スタイルは、一世代前はよくあり歓声が飛んでいたものです。私のプリミティヴな部分ではこういう歌唱スタイルに惹かれます。

　このいかにもイタリア人テノール風カヴァラドッシに対し、イアーノ・タマーのトスカも結構古いソプラノを彷彿とさせるスタイルだったと思います。ドラマティック・ソプラノということなのでしょうが、どうしても高音の抜けが悪く、中低音の威力でがんばるスタイル。確かに声に力はありますし、「歌に生き、恋に生き」などの表現は納得できるもので実力者だとは思いますが、歌唱自体の雰囲気は一世代前のドラマティック・ソプラノによくいたタイプに近いと思いました。

　トスカとカヴァラドッシが熱気をあふれさせていても、スカルピアが冷静さを保ってトスカに迫るところがこのオペラの魅力であり、そういうクールなスカルピアこそが、プログラムに林真理子が書いていた「カヴァラドッシよりスカルピアのほうが魅力的に見える」原因だとは思うのですが、今回のルンドグレンのスカルピアは全体の熱気にあてられた様子で、冷静さが足りないように思いました。一幕のテ・デウムのところなどはもっと冷たい表現でもよいと思いましたし、二幕ももっと感情を殺した歌唱のほうが良いようにも思いました。そのような結果として、今回はスカルピアよりカヴァラドッシの熱気に軍配を上げます。

　脇役陣では堂守の鹿野由之がよく、アンジェロッティの彭康亮も安定した歌唱でした。

　舞台は、新国で何度めの登場になるのでしょうか、典型的な具象化の舞台である、マダウ＝ディアツのもの。トスカのようなヴェリズモ作品にとっては非常に分かりやすい舞台で、古典的スタイルです。舞台も古典的、歌唱も古典的、音楽の持って生き方も古典的ということで、一昔前の古き良きイタリアオペラを彷彿とさせるような演奏でした。

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